La gaya ciencia (Friedrich Nietzsche)

Esto no es un libro: ¡qué encierran los libros,
esos sarcófagos y sudarios!
El pasado es su botín:
pero aquí vive un eterno Presente.
Esto no es un libro: ¡qué encierran los libros!
¡qué encierran sarcófagos y sudarios!
Esto es una voluntad, una promesa,
esto es un viento marino, un levar anclas,
esto es una última ruptura de puentes,
un rugido de engranajes, un gobernar el timón;
¡brama el cañón, blanco humea su fuego,
ríe el mar, la inmensidad!

Autor: Friedrich Nietzsche

Biografía: Fue un filósofo, poeta, compositor musical y filólogo alemán, cuya obra ha ejercido una profunda influencia en el pensamiento mundial contemporáneo y en la cultura occidental.

Ajedrez (Jorge Luis Borges)

En su grave rincón, los jugadores
rigen las lentas piezas. El tablero
los demora hasta el alba en su severo
ámbito en que se odian dos colores.

Adentro irradian mágicos rigores
las formas: torre homérica, ligero
caballo, armada reina, rey postrero,
oblicuo alfil y peones agresores.

Cuando los jugadores se hayan ido,
cuando el tiempo los haya consumido,
ciertamente no habrá cesado el rito.

En el Oriente se encendió esta guerra
cuyo anfiteatro es hoy toda la Tierra.
Como el otro, este juego es infinito.

Tenue rey, sesgo alfil, encarnizada
reina, torre directa y peón ladino
sobre lo negro y blanco del camino
buscan y libran su batalla armada.

No saben que la mano señalada
del jugador gobierna su destino,
no saben que un rigor adamantino
sujeta su albedrío y su jornada.

También el jugador es prisionero
(la sentencia es de Omar) de otro tablero
de negras noches y de blancos días.

Dios mueve al jugador, y éste, la pieza.
¿Qué Dios detrás de Dios la trama empieza
de polvo y tiempo y sueño y agonía?

Biografía: Fue un escritor, poeta, ensayista y traductor argentino, extensamente considerado una figura clave tanto para la literatura en español como para la literatura universal.

Spinoza (Jorge Luis Borges)

Las traslúcidas manos del judío
labran en la penumbra los cristales
y la tarde que muere es miedo y frío.
(Las tardes a las tardes son iguales.)

Las manos y el espacio de jacinto
que palidece en el confín del Ghetto
casi no existen para el hombre quieto
que está soñando un claro laberinto.

No lo turba la fama, ese reflejo
de sueños en el sueño de otro espejo,
ni el temeroso amor de las doncellas.

Libre de la metáfora y del mito
labra un arduo cristal: el infinito
mapa de Aquel que es todas Sus estrellas.

Autor: Jorge Luis Borges

Biografía: Fue un escritor, poeta, ensayista y traductor argentino, extensamente considerado una figura clave tanto para la literatura en español como para la literatura universal.

El silencio de los corderos de Thomas Harris (1988)

 

El Silencio de los Corderos, obra maestra de Thomas Harris, combina fantásticamente suspense con psicología criminal. La historia sigue a la aspirante del FBI, Clarice Starling, colaborando en la captura del asesino en serie "Buffalo Bill". Para ello, entrevista al brillante psiquiatra caníbal Hannibal Lecter.

El autor crea una atmósfera oscura, donde Clarice y Lecter se enfrentan cada uno con su cualidad predominante (Clarice con su firmeza, y el Dr. con su inteligencia). La evolución de los personajes, en especial Clarice y la carisma de Hannibal hacen que la novela explore la maldad humana. Aunque Lecter es un personaje oscuro, su relación con Clarice muestra su aprecio y respeto hacia ella. A lo largo de la novela, el interés en ella crece y él empieza a ofrecerle ayuda, lo que complica su papel como antagonista y lo convierte en una figura más interesante.

Considero que la descripción de Harris sobre los procesos policiales es lograda. El Dr. Lecter se presenta como alguien de gran intelecto y gran habilidad para manipular mentes a su antojo. Es una persona muy inteligente y precisa.

Recomendaría la novela a cualquiera que le guste el suspense. Te mantiene en vilo y es bastante inquietante.

Saludos de Angelus (Gerhard Scholem)

Tengo las alas prontas para alzarme,
Con gusto vuelvo atrás,
Porque de seguir siendo tiempo vivo,
Tendría poca suerte.

Reseña:

En este caso la reseña es más importante que el poema. Esta corre a cargo de Walter Benjamin, que fue un filósofo, ensayista y crítico literario del siglo XX al que el poema de su amigo Scholem inspiró para desarrollar su tesis IX en “Tesis sobre filosofía de la historia”. Dicha tesis dice así:

Hay un cuadro de Klee que se llama Angelus novus. Representa a un ángel que parece estar a punto de alejarse de algo a lo que está clavada su mirada. Sus ojos están desencajados, la boca abierta, las alas desplegadas. El ángel de la historia tiene que parecérsele. Tiene el rostro vuelto hacia el pasado. Lo que a nosotros se presenta como una cadena de acontecimientos, él lo ve como una catástrofe que acumula sin cesar ruinas sobre ruinas, arrojándolas a sus pies. Bien quisiera él detenerse, despertar a los muertos y recomponer los fragmentos. Pero desde el paraíso sopla un viento huracanado que se arremolina en sus alas, tan fuerte que el ángel no puede plegarlas. El huracán le impulsa irresistiblemente hacia el futuro, al que da la espalda, mientras que el cúmulo de ruinas crece hasta el cielo. Eso que nosotros llamamos progreso es ese huracán.

Es un alegato en favor de los olvidados, de los que caen bajo las ruinas de la historia y de los  que han de ser redimidos. 

Gerhard Scholem

Ada Salas

 Debajo de la piel
corre la sangre. Debajo del color
el blanco del estuco.
La luz.
La transparencia.
                                 Otro poco
de aceite
para
que lo vivo
aflore entre lo muerto.
El pulso de esa mano. La savia
de ese roble. Un pequeño gusano
que crece en esa herida
una abeja
que zumba
en ese corazón.

Quién se atreve a decir que todo está cumplido.

Cuando va a anochecer
los vencejos invaden esta sala
vacía.

Pintura y poesía, hermanas, íntimas, unidas por vínculos invisibles, separadas por espacios insondables. Pintura como tema de la poesía, poesía como marco de un cuadro. 

    Este poema reproduce el sentimiento que el cuadro Descendimiento (así se llamará el poemario), de Rogier Van der Weyden (pintor flamenco del s. XV), expuesto en el Museo del Prado, produce en la poeta. 

    Una introducción en los trazos del pincel, una comunión con el dolor de los protagonistas, una indisoluble mezcla con las transparencias vertebran este libro de poemas.  

    Una conversación con la imagen, una interpelación a la emoción más profunda dotan de vida a la propia muerte.

Pincha aquí si tienes curiosidad por ver y entender el cuadro

Inmaculada (Ada) Salas Moreno, Cáceres, 1965. 

    Estudia Filología Hispánica en la Universidad de Extremadura y forma parte del grupo de escritores propiciado por el catedrático Juan Manuel Rozas.

    En 2019, la Junta Regional le concede la Medalla de Extremadura por su obra poética y por «colaborar activamente en la difusión de la cultura y la literatura en numerosos foros nacionales e internacionales».

    El objetivo de su poesía, de verso libre y poemas muy breves y depurados,  es llegar al conocimiento de sí misma, del ser humano, de la existencia y del mundo desde la soledad de la escritura y de su pensamiento donde, en el fondo, siempre halla emociones para celebrar la vida, a pesar de su inquietud existencial, de su búsqueda muchas veces infructuosa o de su fracaso cuando necesita transcribir el silencio, en cuyo ámbito se desenvuelve buscando, paradójicamente, respuestas.

Para saber más, pincha aquí y aquí

En este enlace se reproduce una Conferencia de Ada Salas en la Fundación Juan March

Ángel Campos

 TU SECRETO  

Exactamente ahora
he abierto la puerta
y gritado tu nombre varias veces

pero hoy tampoco nadie
ha respondido a mi llamada

traía tantas cosas que contarte
que me he sentado solo
en el sofá de mimbre de la abuela
ahí frente al chinero
que guarda todavía
la porcelana del día de tu boda
y me he puesto a decírselas
a tu lugar vacío

aunque hablara con lengua equivocada
tú asentías con la benevolencia
y el placer del que ignora
las palabras ajenas que no entiende

pero tú eras la sabiduría
y tu secreto
una efímera calma
sobre el mantel de hilo
me ofrecías café y yo seguía
conversando en silencio con tus ojos
buscaba una respuesta que tardaba en llegar
procura ser feliz con lo que hagas
ya ves la voz elige siempre
el golpe justo
su propio asentamiento
en la carencia
en la desposesión

    Dolor por la ausencia, infinito, incurable si la madre abandona nuestras caricias, si somos abandonados por las suyas. El tiempo no mitiga el dolor, lo  hace soportable, lo introduce en nuestra savia y lo esparce por los órganos, pero no lo diluye, lo expande. Así, parece menos dolor, pero no lo hace desaparecer. 

    Ahora, ya está inserto en nuestras células y, en metástasis aniquiladora, nos invade. Nos habituamos a la presencia del conquistador, procuramos refugiarnos en la rutina, en la monotonía del ser, pero, de forma cíclica, reivindica su tributo: la culpa por una sonrisa espontánea, el crujido de huesos ante un estímulo de placer.

Recuerdo doloroso por la ausencia, desamparo, desnudez, si es de una madre.

Ángel Campos Pámpano (San Vicente de Alcántara, 1957 - Badajoz; 2008) 

    Fue profesor de secundaria durante 20 años en institutos de Extremadura y durante 6 años en el Instituto Español Giner de los Ríos en Lisboa. Impulsó las relaciones culturales y poéticas entre las instituciones e individuos de la región fronteriza de Extremadura y Portugal. 

    Además de sus traducciones y tareas de agitación cultural lo más importante de su creación poética es La ciudad blanca (1988), libro pionero, de poesía meditativa, impresionista y de fuerte impacto del conocimiento y gozo de Portugal, de su lengua, de su cultura y de su literatura, especialmente la poesía, pero no sólo; y La semilla en la nieve (2004), libro por el que recibió el premio Extremadura a la Creación.

    Tradujo al español obras de autores de la literatura portuguesa del siglo XX, como Fernando Pessoa, Carlos de Oliveira, António Ramos Rosa, Eugénio de Andrade y Sophia de Mello Breyner Andresen, entre otros. 

    Para saber más, pincha aquí. En este enlace verás un interesante documental sobre su vida y obra 

Pureza Canelo

EL VERSO
Es un coloquio
que me bebe;
no me orienta, me adentra,
responde a mi ceguera
y acaba perdonándome en su rostro.
Me trae fortunas heredadas,
otros abrazos de otros, leyendas visibles,
invisibles, rectas de la muerte,
volutas del momento,
tormento, cántico rodado de hace mucho:
el verso.

Me resbala del pelo a la garganta,
me hace tropezar de veras,
me guiña su ojo,
me tiende el mar
y yo me tiento.

El verso es un ojo
pensado para ciegos,
para mí,
para un caballo al fondo,
para volver a casa
y encender la lámpara del miedo,
del miedo o la pregunta.

Tanto amor
me estrecha la cintura,
se escapa de mis brazos,
me adentra en la campana del llanto,
de oros con llantos, del din don,
en la plegaria.
Y me coge la mano recién hecha
al vacío,
y no me deja en paz
y no me deja en paz
aunque lo mate.

El verso
puede con mi vida
sin pedirme permiso para la muerte.

El verso, la poesía arrebatada y arrebatadora, dueño, señora de un alma sensible, abraza el espacio, inunda el océano, quiebra el aire, penetra. Nos  domina, nos somete, nos subyuga. Se acerca sigiloso, infantil, amante, y, de golpe, desgarra nuestras vísceras y nos vive y nos muere.

La reflexión sobre la propia poesía es núcleo y obsesión en la obra de Pureza Canelo. ¿Una reflexión? No. Un sentimiento. Lo irracional, la pasión se imponen en una batalla por el dominio del alma, de la esencia de lo humano.

Llega y se instala en nuestras venas, nos dibuja lágrimas, nos diseña amores (¿o desamores?), nos esboza miradas, nos delinea sonrisas: nos deconstruye. Somos marionetas en sus caprichosos hilos. 

Pureza Canelo Gutiérrez (Moraleja, Cáceres, 1946) 

    Pasó su infancia y adolescencia en el pueblo, trasladándose a Madrid para estudiar Magisterio.2

    En 1970 ganó el premio Adonáis con Lugar común.
    El 21 de mayo de 2016 leyó su discurso de ingreso «Oeste en mi poesía» en la Real Academia de Extremadura de las Letras y las Artes.
    Para saber más, pincha aquí y aquí

Jesús Delgado Valhondo

 «Esa mano de tierra»

Cuando estrecho tu mano fuerte, callosa y dura. 

Cuando estrecho tu mano
parece que recojo del fondo las raíces
terribles del espanto.

Tu mano, campesino, de tierra mal labrada,
de rocas inventándonos 
los jornales del tiempo, la historia de los días 
erigida al trabajo.

Esa mano de tierra, fuerte, callosa y dura 
con sequedad del campo 
que busca bajo el suelo las aguas cristalinas 
de ríos subterráneos.

Y que yo la venero por el pan de mis hijos, 
por la sombra del árbol, 
porque padece y sufre su silencio de 
siglos en lo que no ha ganado, 
porque es la tierra misma la que nos tiende en el hombre, 
como amiga, la mano.

    La mano de un campesino, hija del terruño, hermana de la azada, madre de la resignación, que ha luchado contra el hambre, contra la incomprensión, contra la naturaleza, esa mano encallecida, áspera, tierna, se convierte en símbolo de nuestra tierra, de todas las tierras. 

    Desde un pequeño terreno transciende fronteras, adquiere valor universal: es símbolo de una lucha perenne contra la infertilidad del baldío en busca de una preñez perentoria.

    Tu mano que, como rayo que no cesa, hiende sus dedos “porrúos” en cascajos resecos por la indolencia; tu mano que, como cíclico otoño, anhela incansable el fruto de una tierra maltratada por la indiferencia; tu mano, esa mano, busco.

       

                                                                    Jesús Delgado Valhondo (Mérida, 1909 – Badajoz, 1993).

Huérfano temprano de padre, se trasladó con su familia a Cáceres. Esta ciudad medieval, antigua, empezó a ser referente de sus primeros poemas. Ejerció como maestro en varias localidades. Su poética está vertebrada de soledad, de búsqueda incesante de Dios, de una dolorida conciencia de la imperfección y de la humildad humana, del amor a su tierra.

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Junto a Luis Álvarez Lencero y Manuel Pacheco forman lo que se ha convenido en llamar triángulo poético extremeño, cuyo objetivo primordial fue la incorporación de la poesía regional de mediados del siglo XX, representada casi en exclusiva por Gabriel y Galán y Luis Chamizo, a las vanguardias literarias del momento.

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    Junto a Luis Álvarez Lencero y Manuel Pacheco forman lo que se ha convenido en llamar triángulo poético extremeño, cuyo objetivo primordial fue la incorporación de la poesía regional de mediados del siglo XX, representada casi en exclusiva por Gabriel y Galán y Luis Chamizo, a las vanguardias literarias del momento.

Catalina Clara Ramírez de Guzmán

A la ausencia de una imagen, hablando de ella

Cuando quiero deciros lo que siento, 
siento que he de callaros lo que quiero: 
que no explican amor tan verdadero 
las voces que se forman de un aliento. 

Si de dulces memorias me alimento, 
que enfermo del remedio considero, 
y con un accidente vivo y muero, 
siendo el dolor alivio del tormento. 

¿Qué importa que me mate vuestra ausencia 
si en el morir por vos hallo la vida 
y vivo de la muerte a la violencia, 

pues el remedio sólo está en la herida? 
Mas, si no he de gozar vuestra asistencia, 
la piedad de que vivo es mi homicida.

El dolor por la ausencia de una amiga vertebra este soneto con las características propias del Barroco. De gran perfección estilística, recupera los temas de la enfermedad, la nostalgia, la herida abierta, el recuerdo (causante del dolor), la muerte en vida. Esas contradicciones del ser barroco, angustiado, existencialista, carente de vitalismo, recorren el soneto desde sus inicios.
Con reminiscencias de la  poesía más culta: Góngora, Quevedo, … esta poetisa extremeña nos hace vibrar con el sentimiento de la amistad, retomando imágenes y conceptos petrarquistas y neoplatónicos del amor. 



Catalina Clara Ramírez de Guzmán (Llerena, Badajoz, 1611 – ¿1670-1684?)

    Poco se conoce de la vida de esta poeta extremeña, que perteneció a una familia de linaje pues su padre era oficial de la Inquisición en Llerena y su madre descendía del Gran Maestre de la Orden de Santiago. Su poesía (un conjunto de 118 poemas en los que despliega su conocimiento de las distintas formas estróficas de tradición culta y popular) suele referirse a hechos sociales sucedidos en Llerena, poemas a su familia y a sus amigos, poemas amorosos y poemas sobre sucesos curiosos. Dedicó especial atención a la poesía satírica.

No obstante, lo más apreciado de su producción poética son sus poemas morales y filosóficos, donde se lamenta de la simpleza de su vida, de la imposibilidad de gozarla y de la muerte. 

Para saber más, pincha aquí o aquí

Aunque es un poema al día, no me resisto a que conozcáis un soneto de tono satírico-burlesco digno del mejor Quevedo

SONETO A UN HOMBRE PEQUEÑO: DON FRANCISCO DE ARÉVALO 

Mirando con antojos tu estatura,
con antojos de verla me he quedado,
y por verte, Felicio, levantado,
saber quisiera levantar figura.

Lástima tengo al alma que, en clausura,
la trae penando cuerpo tan menguado.
Átomo racional, polvo animado,
instante humano, breve abreviatura:

di si eres voz, pues nadie determina
dónde a la vista estás, tan escondido
que la más perspicaz no te termina,

o cómo te concedes al oído.
En tanto que la duda se examina,
un sentido desmiente a otro sentido.

Isabel Escudero Ríos

«Prestar oído a la gente, ya que es del lenguaje corriente de donde toda poesía, cuando es verdadera, se alimenta»

De Coser y cantar (1984)                                                  

Como una navaja,
partió al Amor en dos                                                          

el filo del alba.
***************
La vida se me va
y esta cristalería de Bohemia
sin estrenar.
***************

¡Qué música tan fina,
en el pentagrama eléctrico,
las golondrinas! 

De Cifra y aroma (2002)
¡Qué lujosa mi casa
cuando tú estabas!
No había  ningún mueble:
solo la cama.
***************
Ahora que no te quiero
de lo mucho que te quería
¡cuánto me acuerdo!
***************
Que a ratitos le quiero
y a ratos no
que no es estado el amor.
***************

Tú crees que esto es la paz:

esto es la guerra disimulá.

***************

Guioncito entre dos cifras

¿era eso

mi vida ?

De Fiat umbra (2008)

Adiós, mundo,

que ya me muero:

ahí te quedas

conmigo dentro.

De Nunca se sabe

Ropita tendía:

adiós me dicen las mangas

de las camisas.

De Condiciones de luna

Por las vereditas del sueño,

eso que no busco

es lo que encuentro.

***************

¡Qué bien

que se me olvidara

quién soy yo

una mañana!

¡Qué bien que nadie

me lo recordara!

    En la poesía de Isabel Escudero podemos apreciar un regusto especial por la composición de carácter popular, muy cercana a la lírica tradicional cantada en todos los pueblos. Son obras de sorprendente frescura y viveza emparentadas con las coplillas locales.

En su poesía se observan influencias de Antonio Machado, pero también podemos observar, de forma más universal, una evidente relación con el haiku japonés, del que toma el aspecto sentencioso adaptándolo a su particular visión de la cultura del pueblo, anónima y rica.

Trata todos los temas, con especial atención al amor-desamor, el  abandono, la nostalgia de lo perdido. También se sumerge en un plano más metafísico, en el yo perdido, en la consciencia de ser efímero, en la muerte.

 Isabel Escudero Ríos (Quintana de la Serena, 1944-Madrid, 7 de marzo de 2017), se distinguió por su incansable labor en favor de la poesía popular. Nadie como ella supo hacer avanzar la incesante novedad de la tradición popular. Produjo una serie de libros compuestos de pequeñas piezas atentas a la honda levedad de los cánones de la poesía popular:  

Coser y cantar (1984), Cifra y aroma (2002), Fiat Umbra (2008), Gorrión, migajas... (2008), Nunca se sabe (2010) y Alfileres (Coplas libertarias) (2014). 

Además, se interesó por las aplicaciones didácticas de la poesía popular y los ritmos tradicionales. Fue profesora titular de la Facultad de Educación en la UNED. Fruto de ese interés y sus estudios son sus libros Razón Común=Razón poética (1994) y Cancionero didáctico: Cántame y Cuéntame (1998).

En colaboración con Agustín García Calvo (pensador, poeta y su pareja) realizó una gran labor intelectual.

- Para saber más de su vida y obra, pincha aquí

- Su página, en la que encontraremos vídeos, escritos, poesías recitadas y cantadas que nos acercan a esta magnífica (y poco conocida) escritora.

- Poemas cantados por Antonio Selfa

Vicente Aleixandre

 La guerra cabalga a lomos de la destrucción y de la barbarie

Casi 2000 niños muertos en la guerra de Ucrania

Gaza, Líbano, violencia sexual contra niñas

Más de 14.000 niños muertos en Gaza

Más niños muertos en Gaza que en un año de guerras en el mundo

Titulares escalofriantes de nuestro “civilizado” mundo. Almas que sangran por todas las víctimas inocentes de la sinrazón de las guerras.

«Oda a los niños de Madrid muertos por la metralla»

Se ven pobres mujeres que corren en las calles

como bultos o espanto entre la niebla.

Las casas contraídas,

las casas rotas, salpicadas de sangre:

las habitaciones donde un grito quedó temblando,

donde la nada estalló de repente,

polvo lívido de paredes flotantes,

asoman su fantasma pasado por la muerte.

Son las oscuras casas donde murieron niños.

Miradlas. Como gajos

se abrieron en la noche bajo la luz terrible.

Niños dormían, blancos en su oscuro.

Niños nacidos con rumor a vida.

Niños o blandos cuerpos ofrecidos

que, callados los vientos, descansaban.

Las mujeres corrieron.

Por las ventanas salpicó la sangre.

¿Quién vio, quién vio un bracito

salir roto en la noche

con la luz de sangre o estrella apuñalada?

¿Quién vio la sangre niña

en mil gotas gritando:

¡crimen, crimen!,

alzada hasta los cielos

como un puñito inmenso, clamoroso?

Rostros pequeños, las mejillas, los pechos,

El inocente vientre que respira:

La metralla los busca,

la metralla, la súbita serpiente,

muerte estrellada para su martirio.

Ríos de niños muertos van buscando

un destino final, un mundo alto.

Bajo la luz de la luna se vieron

las hediondas aves de la muerte:

aviones, motores, buitres oscuros cuyo plumaje encierra

la destrucción de la carne que late,

la horrible muerte a pedazos que palpitan

y esta voz de las víctimas,

rota por las gargantas, que irrumpe en la ciudad como un gemido.

Todos la oímos.

Los niños han gritado.

Su voz está sonando.

¿No oís? Suena en lo oscuro.

Suena en la luz. Suena en las calles.

Todas las casas gritan.

Pasáis, y de esa ventana rota sale un grito de muerte.

Seguís. De ese hueco sin puerta

sale una sangre y grita.

Las ventanas, las puertas, las torres, los tejados

gritan, gritan. Son niños que murieron.

Por la ciudad gritando,

un río pasa: un río clamoroso de dolor que no acaba.

No lo miréis: sentidlo.

Pequeños corazones, pechos difuntos, caritas destrozadas.

No los miréis: oídlos.

Por la ciudad un río de dolor grita y convoca.

Sube y sube y nos llama.

La ciudad anegada se alza por los tejados y alza un brazo terrible.

Un solo brazo. Mutilación heroica de la ciudad o su pecho.

Un puño clamoroso, rojo de sangre libre,

que la ciudad esgrime, iracunda y dispara.

    El título del poema hace alusión a una guerra concreta: la guerra civil española y sus dramáticas consecuencias. Pero, si prescindimos del localismo “Madrid”, la oda se transforma en universal. Mancha de sangre infantil cualquier conciencia de cualquier época.

    El poeta lanza un grito desgarrador que golpea el aire y, lamentablemente, como humo se desvanece sin más efecto que una primera lágrima inmediata, rápidamente resecada por la lejanía de esas muertes que no nos conciernen, ¿o sí?

    Niños que mueren, inocentes. Mujeres que son violadas y asesinadas, inocentes. Pérdidas asumibles de seres prescindibles en los libros de contabilidad del aniquilamiento del otro. Cifras frías como ese brazo arrancado y abandonado a la intemperie. 

¡Cuánto silencio, estridente el alma, de juegos en esas casas bombardeadas!

Vicente Aleixandre (Sevilla, 26 de abril de 1898 - Madrid, 14 de diciembre de 1984) fue un poeta español de la llamada generación del 27. Fue académico de la Real Academia Española desde 1950.

Obtuvo el Premio Nacional de Literatura en 1933 por La destrucción o el amor,; el Premio de la Crítica en 1963 por En un vasto dominio y en 1969 por Poemas de la consumación; el Premio Nobel de Literatura en 1977.

Para una biografía más extensa, pincha aquí

Para leer otros poemas del autor, pincha aquí

Cuando pienso que te huyes (Rosalía de Castro)

 Cuando pienso que te huyes,

negra sombra que me asombras,
al pie de mis cabezales,
tornas haciéndome mofa.

Si imagino que te has ido,
en el mismo sol te asomas,
y eres la estrella que brilla,
y eres el viento que sopla.

Si cantan, tú eres quien cantas,
si lloran, tú eres quien llora,
y eres murmullo del río
y eres la noche y la aurora.

En todo estás y eres todo,
para mí en mí misma moras,
nunca me abandonarás,
sombra que siempre me asombras.

Rosalía de Castro

Biografía

Rosalía de Castro fue una escritora y poeta española, nacida el 24 de febrero de 1837 en Santiago de Compostela, Galicia. Es considerada una de las figuras más destacadas del Romanticismo en España y un referente de la literatura gallega.

Desde joven, Rosalía mostró un gran interés por la literatura y la cultura, escribiendo en gallego y en español. Su obra más conocida es "Cantares gallegos" (1863), un libro que recopiló canciones y poemas en gallego, y que contribuyó a la revitalización de la lengua y la cultura gallega. Esta obra es un símbolo del renacimiento cultural de Galicia y refleja su profundo amor por su tierra y su gente.

Además de "Cantares gallegos", Rosalía escribió "Follas novas" (1880), un conjunto de poemas en gallego que abordan temas como el amor, la naturaleza y la soledad. Su estilo poético se caracteriza por la musicalidad de sus versos y una profunda sensibilidad hacia la condición humana.

A lo largo de su vida, Rosalía de Castro enfrentó diversas adversidades, incluida la pérdida de seres queridos y problemas de salud. Sin embargo, su pasión por la literatura y su compromiso con la cultura gallega nunca flaquearon. También fue una defensora de los derechos de las mujeres y abordó en su obra la injusticia social.

Falleció el 15 de julio de 1885 en Padrón, Galicia. Su legado perdura en la literatura española y gallega, y es recordada como una pionera que abrió caminos para futuras generaciones de escritores y poetisas. Rosalía de Castro es un símbolo de la identidad gallega y su influencia continúa siendo celebrada en la actualidad.

Reseña

"Cuando pienso que te huyes" es un poema que encapsula la angustia y el anhelo de la voz poética ante la inminente pérdida de un ser querido. En esta obra, Rosalía de Castro utiliza un lenguaje emotivo y evocador para explorar los temas de la separación, el amor y la vulnerabilidad.

La estructura del poema se caracteriza por su musicalidad y ritmo, que refuerzan la intensidad emocional de las palabras. La repetición y las imágenes visuales crean una atmósfera de desesperación y anhelo, mientras la voz poética reflexiona sobre el dolor que conlleva la posibilidad de perder a quien ama.

Rosalía logra transmitir la complejidad de los sentimientos humanos, con un enfoque particular en la relación entre la esperanza y el desasosiego. A través de su estilo lírico y su profundidad emocional, invita al lector a sumergirse en la experiencia del amor y la pérdida, generando una conexión íntima con su angustia.

En resumen, "Cuando pienso que te huyes" es una obra que destaca la maestría de Rosalía de Castro en la expresión de emociones complejas. Su habilidad para plasmar la fragilidad de las relaciones humanas hace de este poema una reflexión conmovedora sobre el amor y la inevitable distancia que puede surgir. La voz poética resuena con una sinceridad que sigue tocando el corazón del lector, reafirmando la relevancia de la obra de Rosalía en la literatura contemporánea.

No te pregunto a dónde me llevas (Carmen Conde)

 

Yo no te pregunto adónde me llevas.

Ni por qué.
Ni para qué.
¿Tú quieres caminar?, pues yo te sigo.

Llevo luceros, luceros, en la mano derecha. Y llevo estrellas,
estrellas, en la mano izquierda.
Dime, hombre de todas las noches de luna, ¿qué mano va a
besarme?

¿Por qué me has quitado tus manos, tanto y tan bien como
acariciaban mi frente?
Para que me quisieras otra vez, te regalaría un collar de
islas, un sistema nervioso de horizontes.
¡Me abriría, para ti, todas las mañanas en tus labios!

Yo soy más fuerte que tú, porque me apoyo en ti.

¡Asómate a mí, que soy una torre!
¡Asómate a mí: soy aquella palmera de tu huerto, que latía
contigo!
¡Echa al aire mis campanas y mis palmas!
Yo soy tu panorama.

Carmen Conde

Biografía

Carmen Conde fue una destacada escritora, poeta y feminista española, nacida el 15 de diciembre de 1907 en Cartagena, Murcia. Es conocida por su labor literaria y su compromiso con la igualdad de género. Estudió Filosofía y Letras en la Universidad de Madrid, donde se involucró activamente en movimientos culturales y sociales.

Conde fue una de las primeras mujeres en obtener un título universitario en España y, a lo largo de su carrera, publicó una amplia variedad de obras que incluyen poesía, novelas, ensayos y teatro. Su obra más conocida es "El viaje a la Alcarria", un relato en el que explora su entorno y su identidad. También destacó por su poesía, que refleja su interés por los temas sociales y la condición femenina.

Durante la Guerra Civil Española, Conde se alineó con el bando republicano y, tras la derrota, se exilió en Francia, donde continuó su labor literaria y activista. Regresó a España en 1942, y a partir de entonces, se dedicó a la enseñanza y a la escritura, así como a la promoción de los derechos de las mujeres.

Carmen Conde fue también una de las fundadoras de la Asociación de Mujeres Universitarias y del Instituto de Estudios de la Mujer. A lo largo de su vida, recibió diversos premios y reconocimientos por su contribución a la literatura y su labor en pro de la igualdad.

Falleció el 8 de enero de 1996 en Madrid, dejando un legado literario y un firme compromiso con la defensa de los derechos de las mujeres que continúa inspirando a nuevas generaciones.

Reseña

"Yo no te pregunto adónde me llevas" es un poema significativo de Carmen Conde que encapsula su profunda sensibilidad y su visión del amor y la entrega. En esta obra, Conde utiliza un lenguaje claro y evocador para expresar el vínculo entre el yo poético y el ser amado, centrándose en la confianza y la conexión emocional que trasciende el tiempo y el espacio.

El poema se desarrolla en un tono íntimo y reflexivo, donde la voz lírica se muestra abierta a la experiencia del amor, sin cuestionar la dirección del viaje que está por emprender. Este acto de entrega refleja no solo la confianza en el otro, sino también una aceptación de la incertidumbre que conlleva el amor. A través de sus versos, Conde aborda temas como la entrega, la vulnerabilidad y la fuerza del vínculo afectivo.

La musicalidad de la poesía de Conde, junto con sus imágenes vívidas, permite al lector sumergirse en la emoción del texto. La repetición de la frase "yo no te pregunto" subraya la disposición del yo poético a dejarse llevar, lo que añade un matiz de entrega y rendición.

En resumen, "Yo no te pregunto adónde me llevas" es una obra que destaca la riqueza de las relaciones humanas y la valentía de entregarse al amor. Carmen Conde logra transmitir una profunda conexión emocional que resuena con los lectores, convirtiendo este poema en una celebración de la confianza y el amor en todas sus formas.

Palabras para Julia (Goytisolo)

Tú no puedes volver atrás

porque la vida ya te empuja
como un aullido interminable.

Hija mía es mejor vivir
con la alegría de los hombres
que llorar ante el muro ciego.

Te sentirás acorralada
te sentirás perdida o sola
tal vez querrás no haber nacido.

Yo sé muy bien que te dirán
que la vida no tiene objeto
que es un asunto desgraciado.

Entonces siempre acuérdate
de lo que un día yo escribí
pensando en ti como ahora pienso.

La vida es bella, ya verás
como a pesar de los pesares
tendrás amigos, tendrás amor.

Un hombre solo, una mujer
así tomados, de uno en uno
son como polvo, no son nada.

Pero yo cuando te hablo a ti
cuando te escribo estas palabras
pienso también en otra gente.

Tu destino está en los demás
tu futuro es tu propia vida
tu dignidad es la de todos.

Otros esperan que resistas
que les ayude tu alegría
tu canción entre sus canciones.

Entonces siempre acuérdate
de lo que un día yo escribí
pensando en ti como ahora pienso.

Nunca te entregues ni te apartes
junto al camino, nunca digas
no puedo más y aquí me quedo.

La vida es bella, tú verás
como a pesar de los pesares
tendrás amor, tendrás amigos.

Por lo demás no hay elección
y este mundo tal como es
será todo tu patrimonio.

Perdóname no sé decirte
nada más pero tú comprende
que yo aún estoy en el camino.

Y siempre siempre acuérdate
de lo que un día yo escribí
pensando en ti como ahora pienso.

José Agustín Goytisolo

Biografía

José Agustín Goytisolo fue un poeta, novelista y ensayista español, nacido el 30 de diciembre de 1930 en Barcelona. Proveniente de una familia con un fuerte trasfondo literario, su obra se caracteriza por una profunda sensibilidad social y un enfoque crítico hacia la realidad de su tiempo.

Goytisolo estudió Derecho y Filosofía y Letras, y su carrera literaria comenzó en la década de 1950. Formó parte de la Generación del 50, un grupo de escritores que abordó temas de desarraigo y la crítica a la sociedad contemporánea. Su poesía es conocida por su musicalidad, su compromiso social y su exploración de la identidad y el exilio. Obras como "Don Juan" y "La historia de la literatura española" reflejan su estilo innovador y su capacidad para conectar con el lector.

Durante su vida, Goytisolo vivió en el exilio, principalmente en París, debido a su oposición al régimen franquista. Este exilio influyó en su obra, dotándola de una perspectiva crítica sobre la España de su tiempo. Su compromiso político se refleja en su activismo, así como en su labor como traductor y ensayista.

Falleció el 19 de junio de 1999 en la misma ciudad en la que nació. Su legado literario sigue siendo relevante, y su obra ha sido objeto de estudio y apreciación en el ámbito de la literatura contemporánea española. Goytisolo es recordado no solo por su poesía, sino también por su aguda crítica social y su contribución a la cultura literaria.

Reseña

"Palabras para Julia" es un poema emblemático de José Agustín Goytisolo que se ha convertido en un referente de la poesía contemporánea española. Escrito en 1970, el poema se presenta como una reflexión íntima y profundamente emotiva que el autor dirige a su hija, Julia. A través de este gesto personal, Goytisolo aborda temas universales como el amor, la esperanza, la injusticia y el sentido de la vida.

El poema se estructura en una serie de versos que combinan la ternura y la preocupación paternal con una crítica social y política. Goytisolo no solo busca consolar a su hija ante un mundo complejo y a menudo sombrío, sino que también intenta transmitirle la importancia de la resistencia y la lucha por un futuro mejor. El tono del poema es a la vez esperanzador y realista, capturando la angustia de un padre que desea proteger a su hija de las dificultades de la vida.

La musicalidad del lenguaje y la cadencia de los versos hacen que la lectura sea envolvente, logrando que el mensaje llegue al corazón del lector. La sencillez de las palabras se combina con una profundidad lírica que invita a la reflexión, convirtiendo el poema en un canto de amor y aliento.

En resumen, "Palabras para Julia" es una obra que trasciende lo personal para convertirse en un alegato sobre la vida y la resistencia ante la adversidad. La habilidad de Goytisolo para abordar estos temas con sinceridad y belleza poética convierte a este poema en un clásico de la literatura española, resonando con lectores de todas las generaciones.